노래의 구조 101: 모든 작곡가가 알아야 할 기초

원제: Song structure 101: The basics every songwriter should know

 

 

작곡은 인류 문화만큼이나 오래된 고대 예술입니다. 세월이 흐르고 세대가 바뀌면서, 직관적인 민속 전통이나 음악 이론이 규정한 형식을 따르는 등 노래의 구조에서 익숙한 형식과 관습이 나타났습니다.

 

노래를 구성하는 수학적 패턴은 우리가 듣는 동안 대부분 무의식적으로 인식됩니다. 하지만 균형이 맞고 음악이 ‘잘 어우러진다’는 느낌은 확실히 알 수 있습니다. 사실, 성공적인 작곡의 비결은 청자의 기대를 충족시키면서도 이를 약간 뒤집는 완벽한 균형을 찾는 데 있습니다. 폭넓은 아티스트, 장르, 그리고 대중음악의 시대를 아우르는 기본적인 노래 구조를 식별할 수 있습니다.

 

이 글에서는 노래의 구성 요소를 분석하고 가장 일반적인 배열 형식을 소개하며, 대중음악의 예시를 통해 노래 구조를 분석할 것입니다.

 

노래 구조란 무엇인가요?

노래 구조는 구절(verse), 프리코러스(pre-chorus), 코러스(chorus), 브리지(bridge) 등 다양한 부분의 배열이나 구성을 의미합니다. 이는 노래가 어떻게 전개되는지 결정짓는 청사진이며, 노래에 형태와 흐름을 부여합니다.

노래의 구조는 곡이 전하는 이야기의 형태이자, 처음부터 끝까지 이어지는 내러티브 아크(narrative arc)입니다.

청취자에게 노래 구조는 자연스럽게 스며들지만, 이러한 구조를 의도적으로 생각하는 것은 작곡 작업을 더 효율적으로 진행하고, 더 효과적이고 강렬한 음악을 쓰는 데 도움을 줍니다.

구조가 없는 노래는 단순히 추상적인 음악적 아이디어와 테마의 뒤섞임에 불과합니다. 물론, 이는 자유형(freeform)이나 실험적 음악에서 바람직할 수 있습니다. 하지만 팝송은 대개 체계적이고 공식적인 배열을 따르며, 이러한 익숙함이 바로 대중에게 매력적이고 기억에 남는 이유입니다.

이제 노래를 구성하는 주요 섹션들을 살펴보겠습니다. 이는 음악 배열의 기본 요소이지만, 모든 규칙에는 항상 예외가 있다는 점을 염두에 두세요. 많은 인기 있는 곡들이 각자의 독창적인 섹션과 관습을 섞어 사용하며, 특정 곡에서 무엇이 ‘잘 작동하는지’는 그 노래 자체의 독창적인 아이디어와 스타일에 따라 달라집니다.

 

MASCHINE의 어레인지먼트 뷰(Arrangement View)

 

노래의 기본 구조

노래의 기본 구조는 인트로(Intro), 구절(Verse), 프리코러스(Pre-Chorus), 코러스(Chorus), 브리지(Bridge), 그리고 아웃트로(Outro)로 구성됩니다. 이 요소들은 노래의 스타일과 의도에 따라 다양한 순서로 배치되거나 반복될 수 있습니다. 아래에서 각 요소에 대해 자세히 살펴보겠습니다.

 

인트로 (Intro)

노래의 시작은 청중의 관심을 끌고 흥미를 유발하는 것이 중요합니다. 이는 강렬하고 폭발적인 진술로 이루어질 수도 있고, 더 부드럽게 리듬에 들어가는 방식일 수도 있습니다.

인트로의 기술적인 역할은 곡의 톤, 템포, 그리고 이후에 등장할 악기 구성을 설정하는 데 있습니다. 인트로의 길이는 매우 다양하며, 간단한 도입부에서부터 긴 확장 섹션까지 포함할 수 있습니다. 특히 라이브 공연에서는 분위기를 조성하고 청중의 기대감을 높이기 위해 더 긴 인트로가 사용되기도 합니다.

많은 곡은 메인 훅(hook)이나 모티프를 솔로로 연주하며 시작하는 경우가 많습니다. EDM 트랙의 경우, 인트로는 주로 드럼 비트로 시작하는 것이 일반적입니다.

 

벌스 (Verse)

노래는 일반적으로 여러 개의 벌스 섹션으로 구성되며, 이는 곡의 대부분을 차지합니다.

벌스는 주된 이야기 전개가 이루어지는 부분으로, 각 벌스의 가사는 곡의 진행에 따라 선형적으로 서사를 발전시킵니다.

가사는 일반적으로(항상 그런 것은 아니지만) 각 벌스마다 독창적이지만, 대체로 비슷한 멜로디와 라임 구조를 따르며 일정한 길이를 유지하는 경향이 있습니다. 일반적으로 벌스는 16마디나 32마디로 구성됩니다.

 

코러스/후렴 (Chorus/Refrain)

‘코러스’라는 단어는 문자 그대로 더 크고, 풍성하며, 더 많은 목소리를 의미합니다. 코러스는 곡의 클라이맥스이자, 음악적 및 가사적으로 가장 강렬한 표현이 이루어지는 부분입니다.

벌스와는 달리, 코러스는 반복될 때마다 동일한 가사를 특징으로 합니다. 따라서 '후렴'이라고도 불립니다. 이러한 반복은 곡에 대중적인 요소를 부여하며, 곡의 섹션들을 하나의 통일된 구조로 엮는 역할을 합니다.

작곡에서 주요 결정 사항 중 하나는 벌스와 코러스 간의 균형입니다. 경우에 따라 이 둘은 음악적으로 유사하게 구성될 수 있습니다. 예를 들어, 곡 전체에 걸쳐 동일한 코드 진행이 이어지는 경우입니다. 반면, 섹션 간에 더 극적인 대비와 대조를 특징으로 하는 예시도 존재합니다.

 

프리코러스/포스트코러스 (Pre-chorus/Post-chorus)

이 섹션들은 선택적 요소로, 모든 곡에서 등장하지는 않습니다. 하지만 곡의 흐름을 부드럽게 이어가거나, 코러스의 강렬한 폭발감을 위한 긴장감을 쌓거나, 새로운 코드 진행으로의 전환점 역할을 하기 위해 자주 사용됩니다.

프리코러스의 효과적인 활용 예로는 라나 델 레이(Lana Del Rey)의 히트곡 “Video Games”를 들 수 있습니다. 이 곡에서 음악은 지배적인 코드(dominant chord) 위에서 잠시 멈추며 긴장감을 유지합니다(0:58, 2:24, 3:23 부분). 이어서 보컬이 “tell you all the time”이라는 가사로 5도 하강하며 코러스의 해소로 자연스럽게 연결됩니다.

 

 

브릿지/브레이크 (Bridge/Break)

브릿지(Bridge) 섹션은 보통 곡에서 단 한 번 등장하며, 주로 마지막 코러스를 앞두고 들립니다. 새로운 코드 진행이나 멜로디를 도입하여 곡 후반부에도 흥미를 유지할 수 있도록 변화를 제공합니다.

‘브레이크(Break)’ 또는 ‘브레이크다운(Breakdown)’은 재즈와 소울 음악에서 시작되어 힙합과 일렉트닉 댄스 음악으로 채택된 유사한 섹션입니다. 이는 주된 음악적 소재에서 벗어나 악기를 줄이고 휴식을 제공하는 부분을 가리킵니다. 이 섹션에서는 종종 솔로 연주가 삽입되기도 합니다.

 

아웃트로 (Outro)

곡의 마무리는 때로는 인트로를 반영하기도 하며, 결론을 맺기 위한 독창적인 섹션이 삽입되기도 합니다. 반면, 더 공격적인 록이나 펑크 스타일에서는 곡이 갑작스럽게 멈추며 끝나는 경우도 있습니다(예: Blur의 "Song 2").

 

 

곡이 끝날 때 점진적으로 속도를 늦추는 것을 ‘리타르단도’(ritardando)라고 하며, 이는 클래식 음악에서 유래된 용어입니다. 또 다른 방법으로는 곡이 서서히 사라지듯이 페이드아웃(fade out)하는 경우가 많습니다. 이러한 기법은 곡의 강렬함을 완화시키는 동시에 DJ 세트나 앨범의 흐름에 자연스럽게 녹아들 수 있도록 돕습니다.

 

일반적인 곡 구조

1. Verse-Chorus (구절-후렴)

이 구조는 현대 대중음악에서 가장 자주 들을 수 있는 기본적인 곡 구성입니다. 내러티브가 여러 구절(Verse)에 걸쳐 전개되며, 반복되는 후렴(Chorus)이 곡의 주요 주제를 제시합니다. 대부분의 곡은 두세 번의 구절-후렴 사이클로 이루어져 있습니다.

곡에 따라 이 두 가지 구성 요소 중 하나가 더 큰 비중과 힘을 가지며, 나머지는 배경을 보완하는 역할을 합니다. 팝 히트곡은 보통 강렬하고 클라이맥스 같은 후렴을 중심으로 구성되는 반면, 내러티브 중심의 곡(예: 포크, 랩, 뮤지컬)은 구절의 전개에 더 중점을 두고 후렴을 연결 요소로 활용합니다.

예를 들어, 마일리 사이러스의 신곡 "Flowers"를 살펴보겠습니다. 이 곡은 발매 직후부터 수많은 판매 및 스트리밍 기록을 세우며 강렬한 인상을 남긴 즉각적인 히트곡입니다.

 

 

곡의 구조는 ABABB입니다. 더 정확히 말하자면, 후렴 부분을 후렴 + 후후렴(Post-Chorus)으로 세분화할 수 있습니다. 여기서 "I can love me better"라는 가사는 독립적인 멜로디와 리듬을 가지고 있지만, 매번 후렴 바로 뒤에 일관되게 이어집니다.

이 곡은 획기적인 시도를 하지는 않습니다. 곡 전체에서 동일한 코드 진행을 따르며, 전통적인 곡 구조에 대한 익숙함을 활용합니다. 하지만 균형이 완벽하고, 고전적이면서도 동시에 현대적인 사운드를 제공합니다. 이러한 매력의 많은 부분은 구조 덕분입니다. 구절 → 후렴 → 구절 → 후렴 → 마지막 후렴 반복으로 이어지고 곡이 끝납니다. 마법 같은 완성도죠.

 

2. 구절-후렴-브리지-후렴

이것은 대중음악에서 널리 사용되는 또 다른 템플릿입니다. 기본 구절-후렴 구조를 따르면서 브리지가 추가적으로 곡에 더 많은 세련미와 다양성을 제공합니다.

대표적인 예는 켈리 클락슨의 “Since U Been Gone”입니다. 곡의 구조는 ABABCB이며, 각 섹션은 고유한 톤, 멜로디, 그리고 코드로 쉽게 구분됩니다. 브리지 섹션은 곡의 나머지와 대조를 이루며 단 한 번 등장한 뒤 마지막 후렴으로 이어집니다.

 

 

로비 윌리엄스의 "Angels"는 다른 접근 방식을 보여줍니다. 여기서 브릿지는 기타 솔로가 포함된 연주 파트로 구성되어 있으며, 코드 진행과 전반적인 분위기가 코러스 섹션과 일치합니다.

 

 

반면, The Smashing Pumpkins의 "1979"에서 브릿지는 곡 전체에서 가장 강렬한 부분입니다. 브릿지가 시작되는 2분 30초 지점에서는 코러스에서 한층 더 도약하여 완전한 희열의 해방감을 전달하며, 이에 비해 곡의 나머지 부분은 상대적으로 절제된 느낌을 줍니다.

 

 

3. 32마디 형식

이 형식은 20세기 전반기에 가장 인기를 끌었던 초기 곡 구성 방식으로, 위에서 설명한 현대적인 구조의 흐름을 형성하는 데 기여했습니다.

이 형식의 곡은 각각 8마디로 이루어진 네 개의 섹션으로 나뉘며, AABA 구조를 따릅니다. 두 개의 절(A), 대조적인 B 섹션, 마지막으로 다시 절(A)로 마무리됩니다. 현대 용어에서 브릿지를 지칭하는 ‘미들 에이트(middle eight)’라는 표현은 바로 이 스타일에서 유래했습니다.

32마디 형식은 쇼튠에 특히 인기 있는 구성 방식이었으며, 대표적인 예로는 Judy Garland가 The Wizard of Oz에서 부른 “Over the Rainbow”가 있습니다. 곡이 B 섹션으로 전환되는 부분은 1분 16초 지점에서 들을 수 있습니다.

 

 

짧고 간결한 곡 구조가 인기를 끌게 된 이유를 설명하려면, 초기 비닐 음반을 사용한 녹음 음악의 시간적 제약을 고려해야 합니다. 시간이 지나며 기술이 발전하면서 작곡가들은 더 길고 확장된 편곡을 만들 자유를 얻었지만, 32마디 템플릿은 여전히 사용되고 있습니다.

개별 섹션이 더 길고 복잡한 곡 내에서 AABA 형태를 채택하는 경우도 흔하며, 이에 대한 현대적인 확장 예로는 비틀즈의 “Yesterday”를 들 수 있습니다.

 

 

4. AAA

찬송가, 발라드, 캐럴, 동요와 같은 특정 유형의 노래는 하나의 반복되는 섹션으로만 구성되며, 이를 통해 이야기가 전개됩니다.

이러한 구조는 컨트리와 포크 음악 전통에서도 찾아볼 수 있습니다. 사이먼 & 가펑클의 “Scarborough Fair”는 하나의 구절 섹션으로 구성되어 있지만, 반복될수록 더 복잡한 보컬 하모니와 악기 편곡이 추가되면서 점차 강렬함이 더해집니다.

 

구절-구절-구절 구조를 가진 노래는 여전히 후렴으로 나눌 수 있지만, 이는 별도의 음악적 섹션으로 구분될 정도로 뚜렷하지는 않습니다. 돌리 파튼의 “Jolene”은 전체적으로 동일한 코드 진행을 따르며, 후렴으로 간주될 수 있는 부분은 단순히 짧은 가사 반복, 즉 말 그대로의 후렴입니다.

 

 

댄스 음악은 종종 하나의 반복적인 음악적 모티프를 중심으로 구성됩니다. 로랑 가르니에의 클래식 트랙 “The Man With The Red Face”를 들어보세요. 동일한 베이스와 코드 패턴이 곡 전체에서 반복되며, 에너지의 상승과 하강은 그 위에 더해지는 풍부하거나 간결한 악기 편성에서 비롯됩니다.

 

 

비슷한 특징은 랩과 힙합에서도 나타납니다. 예를 들어, A Tribe Called Quest의 “Get A Hold”를 들어보세요. 많은 힙합 트랙이 구절-후렴 구조를 따르긴 하지만, 이 곡의 경우 AAA 구조로도 볼 수 있습니다. 반복 구절 사이에 후렴이 들어가지만, 음악적으로는 전체적으로 동일합니다.

 

 

5. 12마디 블루스

12마디 주기는 I, IV, I, V, 그리고 다시 I 코드로 진행됩니다. 이 예측 가능한 패턴 덕분에 솔로 연주자는 리듬 섹션이 무엇을 연주할지 알고 자유롭게 즉흥 연주를 펼칠 수 있습니다.

20세기 음악에서 가장 흔한 코드 진행 중 하나인 이 구조는 재즈와 블루스에서 시작되어 Chuck Berry의 "Johnny B. Goode"나 Big Joe Turner의 "Shake, Rattle and Roll" 같은 초기 록앤롤 히트곡으로 스며들었습니다.

 

 

또 다른 유명한 12마디 블루스의 예로는 Booker T. & the MGs의 1962년 연주곡 "Green Onions"가 있습니다.

 

 

6. 순환 없이 작곡된 형태

작곡의 핵심 요소 중 하나는 반복이지만, 반드시 곡이 순환적이거나 대칭적일 필요는 없습니다. James Blake의 "Retrograde"를 예로 들어보겠습니다. 이 곡은 비슷한 분위기의 인트로와 아웃트로로 시작하고 끝나지만, 곡의 주요 부분은 선형적인 AB 구조(인트로, 벌스, 코러스, 아웃트로)를 따릅니다.

 

 

또 다른 인기 있는 구조는 ABABC로, 이 구조는 벌스-코러스 순환에서 벗어나 곡의 끝부분에 독특한 브릿지 섹션을 추가하며, 이전의 소재로 되돌아가지 않는 특징을 가집니다. Radiohead는 이러한 구조를 자주 사용하며, 예를 들어 "Nude", "Karma Police", "There, There" 등이 이 구조를 따릅니다.

 

 

올바른 곡 구조를 찾기 위한 팁

곡 구조는 엄격한 규칙이라기보다는 지침에 가깝고, 대부분의 곡은 고유한 뉘앙스와 변형을 포함하고 있습니다. 심지어 이 글에서 사용된 예시들조차도 완벽히 명확한 경우는 아닙니다.

곡을 구성하고 음악 제작에서 올바른 구조를 찾는 과정은 결국 많은 실험, 시행착오, 그리고 적절한 균형을 찾기 위한 감각에 달려 있습니다.

 

무엇이 자연스러운가?

섹션 간의 대조가 얼마나 클지는 전적으로 당신과 곡의 특정한 분위기에 달려 있습니다. 예를 들어, 후렴구가 포함된 AAA 구조에서 어디까지가 별개의 코러스 섹션으로 간주되는지는 약간 모호할 수 있습니다.

하나의 모티프가 곡 전체를 구성할 수 있으니, 훅의 중요성을 과소평가하지 마세요. 이런 사례는 무수히 많지만, 대표적으로 "Smells Like Teen Spirit"을 예로 들어볼 수 있습니다. 이 곡의 상징적인 오프닝 리프는 전체 곡의 뼈대를 이루고 있습니다. 이 리프가 벗어나는 유일한 부분은 코러스 후 짧은 구간(1:23과 2:37)에 불과하며, 이는 다시 벌스로 전환하기 위해 사용됩니다.

 

 

노래 구조를 시작하세요

곡 작업에 어려움을 겪을 때, 아이디어가 소진될 때까지 너무 많은 것을 추가하고 과하게 작업하는 경향이 있을 수 있습니다. 대신, 보다 미니멀한 접근 방식을 시도해 보세요. 반복을 받아들이고, 멜로디나 리듬의 미세한 변화가 거대한 변화보다 더 강렬한 영향을 줄 수 있다는 점을 느껴보세요.

작곡의 세계에 첫발을 내딛고 음악 구조를 배우는 중이라면, KOMPLETE START는 연습하기에 유용한 무료 사운드 및 실용적인 도구 번들입니다.