[DAW] 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)이란 무엇인가? DAW 가이드

원제: What is a DAW? A guide to digital audio workstations

 

디지털 오디오 워크스테이션(DAW)은 오늘날 대부분의 음악 프로듀서에게 필수적인 도구로, 물리적 녹음 장비를 완전히 대체하거나 유동적으로 보완하고 있습니다.

 

이 줄임말인 DAW는 많은 음악가나 팬들에게 꼭 익숙하지는 않을 수 있습니다. 특히, 자신의 음악을 제작하지 않거나 소프트웨어 악기를 사용하지 않는 창작자들에게는 DAW라는 용어를 거의 들어본 적이 없을 수도 있지만, DAW는 현대 음악 역사에서 중심적인 위치를 차지하고 있습니다.

 

이 글에서는 DAW가 무엇인지 알아보고, 그 풍부한 역사와 함께 자신에게 적합한 DAW를 선택하는 방법에 대해 논의해보겠습니다.

 

시작해봅시다!

 

---

 

DAW란 무엇인가?

‘워크스테이션’이라는 단어에서 암시되듯, DAW는 음악을 창작할 수 있는 소프트웨어 환경을 제공합니다. DAW의 인터페이스는 오디오 파일을 녹음하고, 재생하며, 편집하고, 내보내는 작업을 가능하게 합니다.

 

DAW를 통해 음악 제작은 완전히 ‘디지털 박스’ 내에서 이루어질 수 있습니다. 이는 작곡과 음원 제작이 처음부터 끝까지 디지털 방식으로 진행된다는 의미입니다. 물론 DAW는 마이크를 통한 음성 같은 아날로그 신호도 외부 인터페이스와 내장 소프트웨어를 활용하여 디지털 기록으로 캡처할 수 있습니다.

 

현대의 거의 모든 음반은 샘플, 믹싱, 마스터링 과정에서 직접적으로나 간접적으로 하나 이상의 DAW를 활용합니다. 초기 아날로그 녹음 시대와 달리, 당시에는 크고 비싼 기계가 필수였던 반면, DAW는 단지 컴퓨터만으로도 시작할 수 있습니다. 따라서 DAW의 개발과 업계 채택은 DIY 음악 제작이 가능하게 된 주요 원동력으로 평가받습니다.

 

---

 

DAW의 간략한 역사

DAW의 발명은 MIDI 데이터의 개발과 몇몇 재능 있고 진보적인 독일 개발자 및 음악가들과 밀접하게 연결되어 있습니다. 전 세계에서 가장 인기 있는 DAW들 중 일부가 독일에서 설립되었다는 점을 아는 사람이라면, 디지털 오디오 워크스테이션의 기원도 독일에서 시작되었다는 사실을 흥미롭게 느낄 것입니다.

 

MIDI 데이터는 음악적 표현을 나타내는 컴퓨터 언어입니다. 하지만 이 데이터는 활용될 공간이 없으면 큰 가치가 없습니다. 여기서 1983년에 설립된 Steinberg Research가 등장합니다. Steinberg는 최초의 컴퓨터화된 MIDI 시퀀싱 시스템을 개발하기 위한 목적으로 설립되었습니다. 여러 기본적인 반복 작업 끝에, 오늘날까지도 큰 영향을 미치고 있는 DAW 중 하나인 Cubase의 기초가 마련되었습니다.

 

Logic의 기원 역시 이 시기로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 2002년, Logic은 Apple에 인수되었고, 2년 후, GarageBand가 출시되며 Mac 소프트웨어 패키지에 포함되었습니다. 이로 인해 단순히 컴퓨터만으로 디지털 음악 제작 도구를 사용할 수 있는 접근성이 크게 향상되었습니다. 하지만 Apple이 최초는 아니었습니다. 4년 앞서 출시된 무료 오픈소스 프로그램 Audacity는 오늘날까지도 디지털 오디오 작업의 기본 도구로 자리 잡고 있습니다.

 

이 역사에는 더 많은 이야기가 담겨 있습니다. 더 깊이 알아보고 싶다면 MusicRadar와 같은 사이트에서 관련 기사를 참고하는 것을 추천합니다.

 

왜 DAW라는 용어를 들어본 적이 없을까요?

이 워크스테이션을 개발하는 소프트웨어 회사나, 이를 통해 제작된 음악을 마케팅하는 음악 업계 거물들의 행보를 살펴보아도 ‘DAW’라는 용어는 일반 소비자를 대상으로 한 카피라이팅에서 거의 언급되지 않습니다. Ableton의 웹사이트는 자신들을 ‘창작 도구’로 소개하며, 그들의 핵심 DAW 페이지에서는 이 용어를 전혀 언급하지 않습니다. Bitwig와 Pro Tools는 이 축약어를 몇 번 언급하지만, Logic Pro, Reason, Cubase, FL Studio의 정보 페이지에서는 ‘DAW’나 ‘디지털 오디오 워크스테이션’이라는 표현이 전혀 등장하지 않습니다.

 

음악 자체에 대해 쓰는 방식에서도 비슷한 경향이 나타납니다. 음악가와 팬들을 위한 앨범 리뷰에서는 종종 프로듀서나 스튜디오를 언급하고, 악기와 믹스의 기술적 세부사항을 탐구하며, DAW에 핵심적인 녹음 기법이나 오디오 효과를 다루는 경우도 적지 않습니다. 하지만 워크스테이션 자체는 그러한 리뷰에서 좀처럼 등장하지 않습니다. 다시 말해, DAW라는 용어는 본질적으로 업계 내부 용어라는 점이 이유입니다.

 

이 용어가 독자들에게 혼란을 줄 수 있다는 이유로, 또는 소프트웨어 회사들의 경우 고객들에게 불필요하게 복잡하게 느껴질 수 있다는 이유로 회피하는 경향이 명확합니다. 예를 들어, FL Studio의 ‘당신의 머릿속에서 스피커까지 가는 가장 빠른 길’이라는 문구는 ‘디지털 오디오를 위한 워크스테이션’이라는 설명보다 훨씬 매력적으로 들립니다. 업계의 마케팅 팀들은 약간 어색하게 들릴 수 있는 DAW라는 약어를 강조하는 것보다 영감을 강조하는 것이 자신들을 차별화하는 데 더 효과적이라는 점을 명확히 인식하고 있습니다. 이는 충분히 이해할 수 있지만, 새롭게 음악 제작을 시작하는 프로듀서라면 왜 이런 용어가 흔히 사용되지 않는지 궁금해하는 것도 당연합니다.

 

---

 

DAW 선택하기

앞서 언급했듯, DAW는 무료 옵션부터 매달 Top 100 히트를 만들어내는 데 사용되는 유료 프로그램까지 다양합니다. 첫 DAW를 선택할 때는 예산을 우선적으로 고려하는 것이 중요합니다. 많은 DAW는 수백 달러에서 드물게는 천 달러 이상의 라이선스를 구매하기 전에 체험판을 제공하므로 이를 활용해 신중한 결정을 내릴 수 있습니다. 또는 Splice의 rent-to-own 옵션을 통해 여러 DAW를 깊이 테스트하거나 예산을 초과하지 않고 소유권을 확보하는 방법도 탐색할 수 있습니다.

 

예산의 윤곽을 잡았다면, 자신이 어떤 음악을 만들고 어떤 도구(가상 또는 물리적)를 사용할지를 고민해보세요. 샘플에 크게 의존하는 비트메이커라면 보컬 앙상블이나 풀 밴드 녹음을 계획하는 경우와는 DAW에서 필요한 기능이 다를 수 있습니다. 예를 들어, Pro Tools는 전통적인 녹음 환경에 적합하다고 종종 평가됩니다. 전 세계의 많은 스튜디오에서는 Pro Tools 라이선스를 대형 믹싱 콘솔과 압축기, EQ 등의 장비와 함께 사용하는 경우가 많습니다. 다만 2022년 기준으로 Pro Tools는 구독 모델로만 운영되고 있으며, 이는 전체 Creative Cloud에 이 방식을 적용한 Adobe와 유사합니다.

 

한편, 다른 프로그램들은 전통적인 DAW 기능뿐만 아니라 라이브 퍼포먼스를 염두에 두고 설계된 경우도 있습니다. BitWig Studio와 Ableton Live와 같은 주요 DAW는 비선형 인터페이스를 강조하며, 이를 기반으로 즉흥 연주와 루프 및 아이디어 확장을 빠르게 진행할 수 있습니다. 특히 Ableton과 같은 DAW는 라이브 또는 사전 녹음된 루프, 비트, 기타 전자 요소를 공연에 통합하려는 전 세계 아티스트들에게 필수적인 도구로 자리 잡았습니다.

 

궁극적으로 ‘최고의 DAW’라는 보편적인 답은 존재하지 않습니다. 사실 대부분의 인기 기능은 DAW 간에 어느 정도 공유되고 있으며, 어떤 DAW를 사용하든 훌륭한 음악을 만들 수 있습니다. 중요한 것은 자신의 예산을 파악하고 자신만의 독특한 필요나 선호도를 고려하는 것입니다. 이를 바탕으로 자신에게 가장 적합한 워크스테이션을 찾아낼 수 있을 것입니다.

 

---

 

DAW의 미래

새로운 기술이 등장함에 따라 DAW는 계속해서 진화하고 있습니다. 디지털 오디오를 이해하기 위한 기본 인터페이스로 시작된 DAW는 이제 끝없는 창의적 확장과 영감을 제공하는 놀라운 도구 세트로 발전했습니다. 여기에서 다루진 않았지만, VST(가상 스튜디오 기술)와 MPE(MIDI 다성 표현)의 도입은 이러한 도구들이 어떻게 재구성되고 발전할 수 있는지를 보여주는 대표적인 예입니다.

 

지금은 음악을 만들기에 놀라운 시대입니다. 연주자와 도구 간의 관계가 변화하고 경계를 시험하며 새로운 가능성을 열어가고 있기 때문입니다. 경험과 예산에 상관없이 누구든 음악 제작에 도전할 것을 권합니다. Splice의 CEO 카쿨 스리바스타바(Kakul Srivastava)가 Dan Runcie의 Trapital 팟캐스트에서 최근 공유한 내용에 따르면, 음악가가 된다는 생각, 특히 충분히 잘하지 못한다는 생각이 우리를 제한하는 주요 요인 중 하나입니다. 음악 제작을 향한 정서적 진입 장벽은 현실적이며, 예를 들어, 전문 사진작가가 될 만큼 충분히 실력이 없다고 해서 사진 찍는 것을 멈추지는 않는 것처럼 말입니다.

 

무료 오디오 도구를 활용해 음악 제작을 시작해 보세요. 새로운 도구인 Splice Create와 같은 옵션도 있습니다. 몇 번 시도해 보다가 마음에 들지 않으면 창을 닫거나 파일을 삭제하면 그만입니다. 최악의 경우라도 다시 도전할 기회는 언제나 열려 있습니다.