[팁 & 튜토리얼] 노래의 구성: 예시로 알아보는 노래 만들기

원제: Song structure: How to build a song (with examples)

제목: 곡의 구성: 예시로 알아보는 곡 만들기

일러스트레이션: Jocelyn Tsaih

 

창작의 영감이 떠올라 음악을 만들고 싶어질 때, 그 아이디어는 거의 완성된 곡의 형태가 아닙니다.

오히려 그것은 작은 씨앗과 같은 경우가 많습니다. 몇 마디 정도의 멜로디나 그루브일 수도 있죠. 여기에서 우리는 이 씨앗을 성장시켜 완성된 곡으로 만들어야 합니다. 하지만 정확히 어떻게 해야 할까요?

 

곡의 구성, 즉 곡 형식은 개별적인 아이디어를 완성된 작품으로 발전시킬 수 있도록 도와줍니다. 이 글에서는 다양한 장르와 스타일에서 공통적으로 사용되는 곡의 형식과 구성 요소에 대해 알아보고, 특히 대중음악에 초점을 맞춰 설명하겠습니다. (오늘은 소나타나 푸가는 다루지 않겠지만, 물론 그것들도 아름다운 형식입니다.)

 

배울 내용: 

• 곡 구성(Song Structure)이란 무엇인가?  
• 곡의 구성 요소(Components of a Song)  
• 인트로(Intro)란 무엇인가?  
• 벌스(Verse)란 무엇인가?  
• 코러스(Chorus)란 무엇인가?  
• 브릿지(Bridge)란 무엇인가?  
• 기타 일반적인 곡 구성 요소(Other Common Song Sections)  
• 곡 구성 예시(Song Structure Examples)  
• 비트와 연주 음악의 곡 구성(Song Structure for Beats and Instrumental Music)  
• 결론(Conclusion)

준비되셨나요? 그럼 시작해보겠습니다!

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곡 구성(Song Structure)이란 무엇인가?

곡 구성(Song Structure)은 곡의 각 부분이 어떻게 배열되는지를 설명하는 개념입니다. 이는 음악을 익숙한 방식으로 구성하고 배열할 수 있도록 도와주며, 동시에 독창적이면서도 서로 연결된 추가적인 부분을 작곡하는 데 필요한 아이디어를 제공하기도 합니다.

 

만약 한 곡이 반복되지 않는 일련의 아이디어들로만 이루어져 있다면, 각각의 아이디어가 아무리 흥미롭더라도 전체적인 구성은 혼란스럽게 느껴질 수 있습니다. 이는 많은 음악이 즐겁게 다가오는 이유 중 하나가 기대를 충족시키면서도 신선한 변화를 제공하는 균형에 있기 때문입니다. 그리고 곡 구성(Song Structure)은 바로 이 기대감을 충족시키는 역할을 합니다.

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곡의 구성 요소(Components of a Song)

조금 후에 인기 있는 곡 구성(Song Structure) 형태에 대해 자세히 살펴보겠지만, 먼저 이를 구성하는 개별적인 섹션을 이해해야 합니다. 다음은 오늘날의 곡 구성에서 가장 많이 사용되는 주요 요소들입니다.

• 인트로(Introduction, Intro)  
• 벌스(Verse)  
• 코러스(Chorus)  
• 브릿지(Bridge)

음악과 관련된 용어를 조금이라도 알고 있다면, 직접 곡을 써본 적이 없더라도 이러한 섹션 중 일부 또는 전부가 익숙할 수도 있습니다. 그렇다면 이제 각 섹션을 좀 더 깊이 살펴보면서, 작곡적인 관점에서 어떻게 접근할 수 있는지도 함께 알아보겠습니다.

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곡에서 인트로(Intro)란 무엇인가?

인트로(Intro)는 말 그대로 곡을 소개하는 부분입니다. 일반적으로 인트로는 연주로 이루어지는 경우가 많습니다. 예를 들어, Foo Fighters의 명곡 "Everlong"을 들어볼까요?

 

여기서 곡의 첫 30초 동안(보컬이 시작되기 전까지)이 인트로(Intro)라고 할 수 있습니다. 인트로라는 이름 때문에 곡의 시작 부분에서만 사용된다고 생각할 수도 있지만, 인트로는 종종 곡 전체에서 반복적으로 활용되는 테마를 설정하는 역할을 합니다. "Everlong"의 경우, 인트로에서 들을 수 있는 멜로디와 리듬이 보컬 아래에서 계속 유지되며, 곡의 다양한 섹션을 연결하는 요소로 다시 등장하기도 합니다.

자신만의 인트로(Intro) 작성하는 방법

인트로(Intro)는 곡의 분위기를 설정하는 훌륭한 방법이며, 연주가 돋보이도록 하거나 보컬 중심의 곡이라면 보컬이 들어가기 전에 여유를 주는 역할을 합니다. 그렇다고 해서 인트로에 보컬이 포함될 수 없는 것은 아닙니다.

 

명확한 규칙이 있는 것은 아니지만, 인트로(Intro)를 작성할 때 다음과 같은 점을 염두에 두면 도움이 될 수 있습니다.

• 강렬하게 시작하기: 우리는 주의 집중 시간이 짧고 언제든지 건너뛸 수 있는 시대에 살고 있습니다. 이를 고려하여, 인트로(Intro)에는 청취자의 관심을 끌 수 있는 요소가 반드시 포함되어야 합니다. 그것이 중독성 있는 멜로디, 감성적인 분위기, 강렬한 에너지, 독특한 사운드 등 무엇이든 좋습니다.
• 복선 요소로 활용하기: 인트로(Intro)의 멜로디, 코드, 리듬 등이 곡의 나머지 부분과 완전히 다를 수도 있지만, 이를 활용해 이후 등장할 요소들을 암시하며 곡을 더 유기적으로 연결할 수도 있습니다. "Everlong"처럼 인트로에서 사용된 아이디어가 곡 전체에 걸쳐 반복되면서 자연스럽게 이어지는 경우가 좋은 예입니다. 예를 들어, 후반부에 등장할 보컬 라인을 미리 신스 멜로디로 제시하거나, 다음 섹션에서도 지속될 드럼 그루브를 인트로에서 먼저 들려주는 방식도 효과적입니다. 기존의 요소를 재활용하는 것을 두려워하지 말고 인트로를 구성해 보세요.
• 먼저 작성해야 한다는 부담을 갖지 말기: 많은 에세이 작가들은 글의 방향이 명확해진 후에 서론을 작성하는 것을 추천합니다. 음악에서도 인트로(Intro)는 마찬가지입니다. 물론 인트로가 곡의 시작점이 되어 나머지 작곡 과정으로 이어질 수도 있지만, 꼭 처음부터 인트로를 정해야 하는 것은 아닙니다. 만약 곡의 다른 부분에서 아이디어가 먼저 떠올랐다면, 인트로가 작곡의 걸림돌이 되지 않도록 자유롭게 접근하세요.

선택적인 요소(특히 현대 팝 음악에서)

각 섹션을 모두 정의한 후에 어떻게 배열할지에 대해 다룰 예정이지만, 현대 대중음악에서는 간결함과 최대한의 효율성이 중요한 요소라는 점을 먼저 짚고 넘어가야 합니다. 이러한 이유로, 인트로(Intro)는 몇 마디로 짧게 줄이거나 경우에 따라 아예 생략되기도 합니다.

 

예를 들어, Halsey의 "Graveyard"는 인트로에서 어쿠스틱 기타 코드 진행을 한 번만 반복한 후, 곡이 시작된 지 5초 만에 보컬이 들어와 벌스(Verse)로 이어집니다.

 

그리고 인트로를 완전히 생략한 곡의 예로는 Maggie Rogers의 "Light On"을 들어볼 수 있습니다.

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곡에서 벌스(Verse)란 무엇인가?

벌스(Verse)는 가사적으로 곡의 이야기가 전개되는 부분입니다. 연주적으로는 일반적으로 다른 섹션, 특히 코러스(Chorus)와 비교했을 때 다소 절제되거나 간결한 느낌을 가지는 경우가 많습니다.

 

Kendrick Lamar의 "HUMBLE."에서는 0:07 – 0:58과 1:24 – 2:15 구간이 벌스(Verse)에 해당합니다.

 

그리고 Rihanna의 시대를 초월한 히트곡 "Umbrella"에서는 0:32 – 0:54과 1:39 – 2:01 구간이 벌스(Verse)에 해당합니다.

 

자신만의 벌스(Verse) 작성하는 방법

벌스(Verse)는 매우 다양하고 유연하게 활용될 수 있지만, 시작하는 데 도움이 될 만한 몇 가지 팁을 소개합니다.

• 이야기를 전달하기: 앞서 언급했듯이, 벌스(Verse)는 곡의 이야기가 전개되는 부분입니다. 따라서 반복될 경우에도 가사가 거의 완전히 바뀌는 경우가 많습니다. 가사가 포함된 곡이라면, 벌스를 활용해 스토리를 전달하는 데 집중해 보세요.
• 극적인 요소는 아껴두기: 벌스(Verse)는 보통 곡의 감정적 클라이맥스가 아닙니다. 특히 편곡 측면에서 ‘와우’ 포인트를 조금 아껴두는 것이 좋습니다. 예를 들어, 기타는 개방 코드 대신 팜뮤트로 연주하거나, 드럼이 풀킷을 사용하지 않고 킥과 스네어만으로 리듬을 유지할 수도 있습니다. 키보드 연주를 일부 생략하는 방법도 있을 수 있습니다. 또한, 멜로디의 음역대도 상대적으로 좁게 설정하여 곡에서 가장 높은 음역을 벌스에서 소진하지 않도록 조절하는 것이 일반적입니다.
• 세부적인 요소에 신경 쓰기: 그렇다고 해서 벌스(Verse)를 중요하지 않은 부분으로 여겨서는 안 됩니다. 많은 대중음악의 곡 구성에서 벌스는 가장 많이 반복되는 섹션 중 하나이므로, 무조건 강렬하게 만들 필요는 없지만 어떻게 하면 흥미롭게 구성할 수 있을지 고민해보는 것이 좋습니다. 다만, 랩 음악에서는 벌스가 곡의 하이라이트가 되는 경우도 많으므로, 장르에 따라 접근 방식을 다르게 고려하는 것이 중요합니다.

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곡에서 코러스(Chorus)란 무엇인가?

벌스(Verse)와 달리, 코러스(Chorus)는 곡에서 가장 강렬한 부분이자 많은 사람들이 기억하는 핵심 요소입니다. 가사적으로는 보다 주제적이거나 감정에 초점을 맞추며, 벌스처럼 서사적인 방식보다는 곡의 핵심 메시지를 간결하게 전달하는 경향이 있습니다. 음악적으로는 편곡이 더 풍부하고 강렬하며, 보다 넓은 음역대를 활용하는 경우가 많습니다.

 

감정적으로 해방감을 주는 대표적인 코러스(Chorus)의 예로는 Queen의 "We Are The Champions"이 있습니다. 이 곡에서 코러스는 0:39 – 1:11 구간과 1:55 – 3:09 구간에서 등장합니다.

 

BTS의 *Dynamite*에서는 코러스(Chorus)가 0:42 – 0:58, 1:33 – 1:49, 2:23 – 3:14 구간에서 등장합니다. 또한, 짧은 코러스 일부가 인트로(Intro)로도 활용되며, 곡의 흐름을 자연스럽게 연결하는 역할을 합니다.

 

자신만의 코러스(Chorus) 작성하는 방법

코러스(Chorus)를 만들 때 고려하면 좋은 몇 가지 팁을 소개합니다.

• 기억에 남도록 만들기: 코러스(Chorus)는 곡의 핵심이자, 음악을 공개할 경우 가장 중요한 부분이 될 수 있습니다. 따라서 코러스에서는 최대한의 임팩트를 끌어내어 중독성 있고 감정적으로 강렬하며, 듣는 이를 사로잡을 수 있는 멜로디를 만들어보세요. 벌스(Verse)와의 차이를 강조하기 위해 코드 진행을 변경하는 것도 좋은 방법이지만, 많은 곡들이 동일한 코드 진행을 유지하면서도 효과적인 코러스를 만들어내기도 합니다.
• 강렬하게 마무리하기: 일반적으로 코러스(Chorus)는 벌스(Verse)보다 더 일관성이 유지되며, 반복될 때 가사가 크게 변하지 않는 경우가 많습니다. 하지만 마지막 코러스에서는 변화를 주어 더욱 인상적인 마무리를 연출하는 경우가 많습니다. 이를 위해 코러스의 길이를 두 배로 늘리거나, 일시적으로 악기를 최소화하고 다시 폭발적으로 전개하는 방식, 새로운 악기 레이어를 추가하는 방법, 멜로디를 더 높은 음역대로 끌어올리는 방식, 키를 올리는 변조(Modulation) 기법 등을 활용할 수 있습니다. 위에서 언급한 BTS의 "Dynamite"는 이러한 요소들을 모두 활용한 좋은 예시입니다.
• 코러스 자체로도 완성도를 갖추기: 코러스(Chorus)는 곡의 중심이 되는 만큼, 독립적으로 들어도 만족감을 줄 수 있어야 합니다. 많은 사람들이 곡을 미리 들어볼 때 코러스를 찾아 듣는 경우가 많으므로, 이 부분이 단순히 다른 섹션으로 넘어가기 위한 연결점이 아니라 곡의 핵심적인 목적지처럼 느껴지도록 구성하는 것이 중요합니다. 만약 누군가가 코러스를 듣고도 확신이 서지 않는다면, 더 다듬어야 할 가능성이 높습니다.

고려할 수 있는 대안적인 방법

지금까지는 서구 대중음악의 일반적인 경향을 중심으로 분석하고 이에 기반한 추천을 제공해왔지만, 음악 창작에는 정해진 규칙이 없다는 점을 강조하고 싶습니다. 이를 증명하듯이, 전통적인 코러스(Chorus) 형식에서 벗어난 여러 변형이 대중음악에 자리 잡으며 하나의 공식처럼 사용되기도 했습니다. 여기에서는 대표적인 두 가지 대안을 소개하며, 여러분이 곡을 구성할 때 변화를 줄 수 있는 아이디어를 제공하고자 합니다.

 

첫 번째 대안은 흔히 ‘드롭(Drop)’이라고 불리는 부분으로, 주로 EDM 및 그 하위 장르에서 코러스(Chorus)를 대신하는 연주 중심의 섹션입니다. 2016년 라디오 방송을 장악했던 대표적인 드롭의 예로는 The Chainsmokers의 "Closer"가 있습니다. 이 곡에서 드롭은 1:10 – 1:30, 2:31 – 2:51, 3:32 – 3:52 구간에서 등장합니다.

 

두 번째 대안으로 점점 더 인기를 얻고 있는 형식은 ‘안티 코러스(Anti-Chorus)’ 또는 ‘안티 드롭(Anti-Drop)’입니다. 오랜 시간 동안 우리는 코러스(Chorus)가 곡에서 가장 크고 강렬한 부분이 될 것이라고 기대해왔습니다. 안티 코러스는 이러한 기대를 이용하여, 코러스가 이전 섹션보다 오히려 더 절제되고 간결하게 구성되도록 함으로써 청취자에게 신선한 충격을 줍니다. 효과적인 안티 코러스의 대표적인 예로는 Charlie Puth의 "Attention"이 있습니다. 이 곡에서는 0:48에서 코러스가 시작되지만, 강렬한 전개 대신 단순한 베이스 기타와 보컬만이 조화를 이루며 독특한 분위기를 연출합니다.

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곡에서 브릿지(Bridge)란 무엇인가?

마지막으로 자세히 살펴볼 섹션은 브릿지(Bridge)입니다. 브릿지는 때때로 코러스(Chorus) 이후의 또 다른 감정적 클라이맥스로 작용할 수 있지만, 보통 독립적으로 존재하기보다는 곡의 흐름 속에서 중요한 전환점을 형성합니다. 가사적으로는 새로운 깨달음이나 변화가 담기는 경우가 많으며, 음악적으로는 편곡이나 화성이 색다른 방향으로 전개될 수 있습니다. 대부분의 경우, 브릿지는 곡을 마지막 코러스로 연결하는 역할을 하며, 이러한 특징 때문에 ‘브릿지(다리)’라는 이름이 붙었습니다.

 

코러스(Chorus)만큼 강렬한 감정적 드라마를 선사하는 브릿지(Bridge)의 대표적인 예로는 Linkin Park의 2003년 히트곡 "Numb"에서 들을 수 있습니다. 이 곡에서는 2:02 – 2:21 구간에서 브릿지가 등장하며, 곡의 분위기를 한층 고조시키는 역할을 합니다.

 

더 위켄드(The Weeknd)의 "The Hills"에서도 2:29 – 3:02 구간에서 들을 수 있듯이, 보다 절제되고 내밀한 분위기를 가진 브릿지(Bridge)도 많이 존재합니다. 이러한 유형의 브릿지는 곡의 흐름에 변화를 주면서도 감정적인 깊이를 더하는 역할을 합니다.

 

자신만의 브릿지(Bridge) 작성하는 방법

브릿지(Bridge)는 벌스(Verse)와 코러스(Chorus)를 반복하는 흐름을 깨고 새로운 변화를 줄 수 있어 유용한 섹션입니다. 자신만의 브릿지를 작성할 때, 곡의 다른 부분과 차별화할 수 있는 몇 가지 아이디어를 소개합니다.

• 화성(Harmony)에 변화를 주어 보기: 많은 브릿지(Bridge)에서는 기존의 곡과 차별화를 두기 위해 화성 구조를 바꾸는 방식이 활용됩니다. 이를 위해 새로운 키(Key)로 전조(Modulation)하거나, 단순히 곡의 주음(Tonic) 코드가 아닌 다른 코드에서 시작하는 방법이 있습니다. 메이저 키에서는 IV 코드, 마이너 키에서는 VI 코드에서 시작하는 것이 일반적인 선택지 중 하나입니다.
• 모든 요소에서 대비를 고려하기: 화성 변화뿐만 아니라 리듬, 멜로디, 악기 편성, 가사에서도 대비를 주어 브릿지(Bridge)를 더욱 독창적으로 만들 수 있습니다. 예를 들어, 이전 섹션이 빠른 리듬이었다면 브릿지에서는 템포를 느리게 조절하거나, 멜로디의 음역대를 다르게 설정하는 것도 좋은 방법입니다. 또한, 편곡을 단순화하거나 새로운 악기를 추가하여 곡의 분위기를 변화를 줄 수도 있습니다.
• 감정을 더욱 깊이 표현하기: 브릿지(Bridge)는 곡에서 감정적으로 가장 강렬하거나 의미 있는 순간이 될 수 있습니다. 이는 싱어송라이터의 발라드든, 연주 중심의 비트든 마찬가지입니다. 곡이 궁극적으로 전달하려는 메시지는 무엇인지 고민해 보고, 청취자의 관심을 새로운 방식으로 끌어낼 수 있는 멜로디를 찾아보세요. 브릿지를 구성할 때는 감정을 솔직하게 드러내는 것을 두려워하지 말고, 보다 깊이 있고 진정성 있는 표현을 시도해 보세요.

브릿지를 잘 작성하는 방법에 대해 더 알고 싶다면, 해당 섹션에 대한 별도의 가이드를 참고해 보세요.

What is a bridge in a song? How to write a bridge - Blog | Splice

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기타 일반적인 곡 구성 요소(Other Common Song Sections)

우리가 위에서 다룬 가장 일반적인 섹션 외에도, 자주 등장하는 많은 다른 섹션들이 있습니다. 대중적인 곡 형식에 대해 이야기하기 전에, 여기서 몇 가지를 빠르게 언급해 보겠습니다.

프리 코러스(Pre-Chorus)란 무엇인가?

프리 코러스(Pre-Chorus)는 코러스(Chorus) 이전에 나오는 섹션으로, 보통 벌스(Verse)와 코러스 사이의 강도의 전환을 부드럽게 만들어줍니다. 종종 톤에 잠깐의 변화를 주며, 브릿지(Bridge)처럼 메이저 키에서는 IV 코드, 마이너 키에서는 VI 코드로 시작하는 경우가 많습니다.

 

Adele의 "Set Fire to the Rain"에서 0:44 – 0:59 구간을 확인하면, 훌륭한 프리 코러스(Pre-Chorus)를 들을 수 있습니다.

 

포스트 코러스(Post-Chorus)란 무엇인가?

일부 곡들은 코러스(Chorus)에 추가적인 아이디어를 더하고 싶을 때, 코러스와 다음 섹션을 연결하는 포스트 코러스(Post-Chorus)를 사용합니다. 포스트 코러스는 실제로 곡에서 가장 중독성 있는 부분이 될 수 있습니다. 예를 들어, Ed Sheeran의 "Shape of You"에서 1:10 – 1:29와 2:30 – 2:49 구간에서 들을 수 있는 포스트 코러스가 그 좋은 예입니다. 이 섹션은 이전의 코러스와는 구별되면서도, 그 안에서 사용된 아이디어를 바탕으로 전개됩니다.

 

솔로(Solo)란 무엇인가?

곡에서 한 악기가 몇 마디 동안 독특하게 특징지어지는 섹션을 만들고 싶을 때, 우리는 그것을 솔로(Solo)라고 부릅니다. 솔로는 곡의 기존 요소를 단순하게 연주한 버전일 수도 있고, 메탈이나 재즈와 같은 장르에서는 매우 기술적이고 화려한 연주로 구성될 수도 있습니다.

예를 들어, Pink Floyd의 "Comfortably Numb"에서 2:05 – 2:34와 4:32 – 6:22 구간에서 두 개의 훌륭한 기타 솔로를 들을 수 있습니다. 후자는 아웃트로(Outro)로도 사용되며, 이는 우리가 다음에 다룰 섹션입니다.

 

아웃트로(Outro) / 코다(Coda)란 무엇인가? 

아웃트로는 인트로(Intro)와 비슷하지만, 곡의 끝을 부드럽게 마무리하는 역할을 합니다. 예를 들어, Porter Robinson의 "Sad Machine"에서 5:07 – 5:50 구간은 곡의 끝을 부드럽게 묶어주며, 곡 구성의 핵심 요소인 신스 라인을 기반으로 발전합니다.

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곡 구성 예시(Song Structure Examples) 

개별 곡 섹션에 대해 익숙해졌으므로, 이제 이들이 어떻게 결합되어 다양한 곡 구조(Song Structure) 또는 곡 형식(Song Form)을 만드는지 생각해볼 수 있습니다. 음악가들이 곡을 구성할 때, 전체적인 흐름을 쉽게 표현할 수 있도록 각 섹션에 글자 이름(예: A, B 등)을 붙이는 경우가 많습니다. 수백만 곡의 노래들 속에서, 서구 대중음악은 자연스럽게 몇 가지 알파벳으로 구분되는 패턴을 생성하게 되었으며, 이들은 특히 흔하게 사용됩니다. 아래에서 몇 가지를 살펴보겠습니다.

 

1. ABABCB (“벌스-코러스-벌스-코러스-브릿지-코러스”)

ABABCB는 현대 상업 음악에서 가장 흔히 사용되는 곡 구조일 수 있으며, 팝, R&B, 록 등 다양한 장르에서 등장합니다. 실제로 이 구조는 "벌스-코러스-벌스-코러스-브릿지-코러스"로 번역됩니다.

 

오늘 살펴본 곡들 중 "Everlong", "Light On", "Numb", "The Hills", "Set Fire to the Rain", "Shape of You" 모두 이 구조를 기본적으로 따르고 있으며, 그만큼 이 구조가 얼마나 널리 사용되는지를 보여줍니다. 각 곡을 자세히 살펴보면 약간의 변형이 있는 것을 볼 수 있습니다: 한 곡은 프리 코러스(Pre-Chorus)가 있고, 다른 곡은 포스트 코러스(Post-Chorus)가 있으며, 일부 구간은 추가적인 마디를 포함하기도 합니다. 그러나 프리 코러스를 벌스와 묶고, 포스트 코러스를 코러스와 묶어 생각하면 (곡 형식에 대해 논의할 때 사람들이 자주 하는 방식처럼) 이들은 본질적으로 ABABCB 흐름을 따르고 있습니다.

ABABCB는 익숙하고 검증된 곡 구성을 원할 때 자신만의 곡에 적용하기 좋은 구조입니다. '고쳐지지 않은 것은 고치지 말라'는 형태로, 이 구조를 선택하는 것에 아무런 부끄러움이 없습니다. 그만큼 인기가 있는 이유가 있습니다. 이 구조를 더 효과적으로 만들 수 있는 간단한 방법은 B 섹션의 길이를 마지막에 두 배로 늘려, 핵심적인 흐름을 벗어나지 않으면서도 마지막 코러스를 더 길게 만들어 효과를 강화하는 것입니다.

 

2. ABAB (“벌스-코러스-벌스-코러스”)

ABAB 형식은 간단하고 매력적이며, 두 개의 대비되는 부분이 서로 오가며 곡을 이끌어갑니다. 적용 방식은 다르지만, "HUMBLE."과 "We Are The Champions"는 모두 이 곡 구조를 따릅니다. 후자는 두 번째 B 섹션을 두 배로 늘려 애니믹한 분위기를 강조합니다. 이 곡 형식은 매우 오래된 형태로, 가사 중심의 음악뿐만 아니라 연주 중심의 음악에도 잘 어울립니다.

 

3. ABABC (“벌스-코러스-벌스-코러스-새로운 섹션”)

조금 더 실험적인 접근을 원한다면, 곡의 끝에 완전히 새로운 섹션을 추가하여 청취자에게 놀라움을 선사할 수 있습니다. 그 전에 나오는 형식은 다양할 수 있지만, 보통은 ABAB처럼 다소 간단한 형태입니다.

이러한 곡 구조를 효과적으로 사용하는 예로는 The Beatles의 "Hey Jude"가 있습니다. 이 곡은 처음에는 벌스와 코러스가 번갈아 가며 등장하는 비교적 직선적인 패턴으로 시작하지만, 후반부에서는 유명한 "Na na na" 섹션을 추가합니다. 이 부분은 그 전까지는 아주 잠깐만 암시되었으며, 새로운 전개로 곡의 분위기를 전환시킵니다.

 

물론, 여기에는 수많은 추가적인 변형이 존재합니다. 그럼에도 불구하고, 이러한 곡 구조들은 여러분이 곡을 어디로 이끌지 모를 때 훌륭한 출발점을 제공할 수 있습니다.

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비트 및 연주 음악의 곡 구성(Song Structure for Beats and Instrumental Music)  

오늘 우리가 살펴본 섹션들은 연주 음악에도 원활하게 적용될 수 있지만, 그 대부분은 보컬에 의해 주도되는 경우가 많다는 점은 부정할 수 없습니다. 음악 제작을 막 시작한 많은 이들은 보컬이 포함된 완성된 편곡보다는 비트나 연주 데모를 만들고 있을 가능성이 높습니다(혹은 연주 음악이 단순히 관심 있는 분야일 수도 있습니다).

만약 당신이 그렇다면, 전통적인 벌스, 코러스 등의 형식에서 벗어나 아이디어를 전체 트랙으로 확장할 때 유용할 수 있는 몇 가지 추가적인 기법을 소개합니다.

 

텍스처 변화를 활용하기  

연주 음악에서도 여러 개의 개별적인 레이어가 동시에 존재하는 경우가 많습니다: 킥, 스네어, 하이햇, 베이스, 키보드, 신스 등. 전혀 새로운 소재를 작곡하지 않고도 이러한 요소 중 일부를 제거하는 것만으로 효과적인 대비되는 섹션을 만들 수 있습니다. 예를 들어, 킥과 스네어 패턴은 그대로 두고 하이햇과 베이스를 음소거하는 방식입니다. 그런 다음 나중에 이 요소들을 다시 도입하면, 대비의 힘 덕분에 그 부분이 흥미롭게 들립니다.

Daft Punk의 "Around the World"는 이러한 기법을 효과적으로 보여주는 곡입니다. 이 트랙은 전통적인 벌스-코러스 곡 구조를 따르지 않고, 오히려 하나의 핵심 아이디어를 반복하는 루프 형태입니다. 그럼에도 불구하고, 전체적으로 매우 몰입감 있는 곡으로 남는 이유는 듀오가 레이어를 교묘하게 제거하고 다시 도입하면서 음악의 텍스처와 에너지에 정기적인 변화를 주기 때문입니다.

 

리듬 변화를 활용하기  

아이디어를 확장하는 또 다른 간단한 기법은 리듬적 펄스를 바꾸는 것입니다. 한 섹션에서는 스네어나 다른 리듬적 강조가 각 마디의 두 번째와 네 번째 비트에 배치될 수 있습니다. 새로운 느낌을 쉽게 도입하려면, 같은 멜로디와 코드 등을 유지하면서도 이 강조가 마디의 세 번째 비트에만 오도록 리듬의 빈도를 절반으로 줄일 수 있습니다.

이는 특히 록 음악에서 자주 사용되는 기법입니다. 이 곡이 연주곡은 아니지만, Fall Out Boy의 "The Phoenix"에서 마지막 코러스를 예로 들어보겠습니다. 같은 소재가 두 번 반복되며, 두 번째 반복에서 리듬 펄스가 느려져서(이른바 하프 타임) 3:41에서 새로운 느낌을 만들어냅니다. 이 간단한 변화는 코러스에 새로운 느낌을 부여하며, 상대적으로 쉽게 새로운 음악적 순간을 창출하는 데 도움을 줍니다.

 

음색 변화를 활용하기  

마지막으로, 변화를 주는 간단한 방법은 특정 부분을 연주하는 악기를 바꾸는 것입니다. 예를 들어, 한 섹션에서 멜로디가 신스(synth)로 연주되고 있다면, 다음 섹션에서는 그것을 키보드로 바꿔볼 수 있습니다. 멜로디가 변하지 않더라도, 음색의 변화는 큰 차이를 만들 수 있으며 청취자의 관심을 끌 수 있습니다. "We Are The World"와 같은 7분짜리 트랙이 작동하는 방식이 바로 이렇습니다. 멜로디는 바뀌지 않지만, 각 새로운 목소리와 그 목소리가 멜로디에 가져오는 독특한 해석이 청취자를 계속해서 몰입하게 만듭니다.

 

이 곡은 또한 여러 번 키를 변경하는데, 이는 완전히 새로운 섹션을 작곡하지 않고도 음악적 흥미를 유도할 수 있는 또 다른 간단한 방법입니다. 키 변경은 매우 효과적이지만, 오늘날의 음악 환경에서는 약간 진부하게 들릴 수도 있으므로, 이를 사용할 때는 의도적으로 접근하는 것이 중요합니다.

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곡 구성에 대한 가이드 마무리  

오늘 포스팅에서 상세히 다룬 것처럼, 곡 구성을 배우는 가장 좋은 방법은 자신이 가장 좋아하는 음악에서 직접 배우는 것입니다. 보컬 중심이든 연주 중심이든, 곡에서 반복되는 패턴과 기법들을 점차 파악하게 될 것이며, 이를 자신의 작업에 서서히 적용할 수 있습니다. 짧은 트랙부터 시작해보고, 점차적으로 곡의 길이와 범위를 늘려가며 익숙해지세요. (혹은 처음부터 10분짜리 대곡을 만들어보는 것도 재미있다면 시도해보세요—자신에게 가장 영감을 주는 방식으로 접근하는 것이 중요합니다!)