[팁 & 튜토리얼] 음악 만드는 법: 6단계로 나만의 음악 만들기

원제: How to make music: Create your own music in 6 steps

일러스트: Filip Fröhlich

음악을 만들어 보고 싶었던 적이 있나요?

악기를 평생 연주해 왔든, 단순히 음악을 즐겨 듣는 사람이든, 한 번쯤은 나만의 음악을 만들어 보면 어떨까 생각해 본 적이 있을 것입니다. 음악을 만드는 과정은 깊이 있는 경험이며, 때때로 도전적이지만 매우 즐겁고 보람찬 일이기도 합니다. 다행히도, 오늘날 음악을 배우고 만드는 것은 그 어느 때보다도 쉬워졌습니다. 컴퓨터와 몇 가지 온라인 자료(바로 이 글처럼)만으로도 음악 제작을 시작할 수 있고, 꽤 멀리까지 나아갈 수도 있습니다.

 

이 가이드에서는 음악 제작을 시작하는 데 필요한 모든 것을 다룹니다. 음악을 만들기 위해 필요한 도구부터 창작 과정에서 거쳐야 할 여섯 가지 단계까지 자세히 살펴볼 것입니다. 아래 목차를 참고하여 원하는 섹션으로 바로 이동할 수도 있습니다.

 

배울 내용:

• 음악을 만들기 위해 필요한 도구
• DAW에서 음악을 만드는 기본 과정
• 비트 만들기
• 멜로디 작성하기
• 코드 진행 만들기
• 아이디어를 완성된 곡으로 발전시키기
• 음악 믹싱하기
• 음악 마스터링하기

준비되셨나요? 지금 바로 시작해 봅시다!

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음악을 만들기 위해 필요한 도구

음악 프로듀서를 떠올릴 때 넓은 스튜디오, 거대한 믹싱 콘솔, 고급 마이크가 갖춰진 녹음 부스를 상상할 수도 있습니다. 물론 이런 환경이 있다면 좋겠지만, 오늘날에는 노트북과 몇 가지 소프트웨어만으로도 훌륭한 음악을 만들 수 있습니다. 아래에서 음악 제작을 시작하는 데 필요한 핵심 요소를 살펴보겠습니다.

 

1. DAW(디지털 오디오 워크스테이션)

디지털 오디오 워크스테이션(DAW)은 현대 음악 제작에서 녹음, 편집, 그리고 사운드를 구성하는 데 사용되는 주요 소프트웨어입니다. 쉽게 말해, 음악 제작 과정에서 모든 아이디어를 쌓아 올리고 정리하는 작업 공간이라고 생각하면 됩니다.

일반적인 DAW의 모습 – PreSonus의 Studio One

DAW 선택 방법

음악 제작을 배우면서 가장 먼저 결정해야 할 것 중 하나가 DAW를 선택하는 일입니다. 다양한 옵션이 존재하지만, 어떤 DAW를 사용하든 좋은 음악을 만들 수 있다는 점을 기억하세요. 결국 DAW는 하나의 도구일 뿐이며, 진정한 예술은 도구가 아니라 여러분 자신에게서 나옵니다. 하지만 오랜 시간을 함께할 프로그램이므로, 자신에게 맞고 작업 의욕을 북돋아 주는 DAW를 선택하는 것이 중요합니다.

 

자신이 선호하는 디자인이나 사용자 인터페이스를 고려하는 것도 좋은 방법입니다. 또한, 좋아하는 아티스트나 프로듀서가 사용하는 DAW를 살펴보는 것도 도움이 될 수 있습니다. DAW마다 가격대가 다르며, 일부는 Mac이나 Windows에서만 사용 가능한 경우도 있으므로 이러한 점도 고려해야 합니다.

인기 있는 DAW 소개

다양한 DAW 중에서 어떤 것을 선택할지 고민된다면, 아래에서 대표적인 DAW들을 살펴보며 아이디어를 얻어보세요.

• GarageBand (무료): GarageBand는 Apple 기기에 기본적으로 설치되어 있어, 음악 제작 경험이 없는 사람들에게도 널리 알려진 DAW입니다. Mac 및 iOS에서만 사용 가능하며 기능이 제한적이지만, 무료라는 점과 모바일 확장성을 갖추고 있어 많은 초보자들에게 인기가 있습니다.
  • GarageBand로 제작된 대표적인 곡: Rihanna – Umbrella, Radiohead – In Rainbows
• Logic Pro X ($200): Logic Pro X는 GarageBand의 고급 버전이라 할 수 있습니다. Apple이 소유한 이 DAW는 세련된 UI와 검증된 워크플로우를 자랑합니다.
  • Logic Pro X를 사용하는 아티스트: Calvin Harris, Jacob Collier, FINNEAS
• Ableton Live ($0 – $749): Logic Pro X와 함께 높은 인기를 자랑하는 DAW로, 라이브 퍼포먼스와 음악 제작 모두를 고려한 설계가 특징입니다. 독특한 워크플로우가 호불호가 갈릴 수 있지만, 한 번 익숙해지면 강력한 도구가 됩니다. 다양한 가격대의 버전이 존재하며, 특정 하드웨어나 서비스 구매 시 Lite 버전을 무료로 제공받을 수도 있습니다.
  • Ableton Live를 사용하는 아티스트: Skrillex, KSHMR, Imogen Heap
• Studio One ($99 – $399): Logic Pro나 Ableton만큼 널리 알려지지는 않았지만, 직관적인 인터페이스와 강력한 기능을 갖춘 DAW입니다. 비트 제작에 특화된 Impact XT 기능과 전통적인 악보 작성을 위한 Score View 등 독창적인 요소들이 포함되어 있습니다.
  • Studio One을 사용하는 아티스트: Maarten Vorwerk, Armin Van Buuren, Rob Scallon
• Bitwig Studio ($99 – $399): 전통적인 DAW라기보다는 실험적인 사운드 디자인과 라이브 셋을 위한 맵핑 기능을 제공하는, 창의적인 작업을 위한 도구입니다. 특히 모듈형 사운드 디자인을 좋아하는 사람들에게 적합합니다.
  • Bitwig Studio에 대한 Richie Hawtin의 평가: “다른 DAW보다 내장된 모듈레이션 루팅과 Grid 기능의 깊이가 훨씬 뛰어나다.”
• FL Studio ($99 – $499): 힙합과 EDM 분야에서 특히 강한 사용자층을 보유한 DAW로, 직관적인 시퀀서 기반 워크플로우와 무료 평생 업데이트 정책으로 많은 사랑을 받고 있습니다.
  • FL Studio를 사용하는 아티스트: Porter Robinson, Murda Beatz, Soulja Boy

모든 유료 DAW는 무료 체험판을 제공하므로, 직접 사용해 보고 자신에게 맞는 것을 선택하는 것이 좋습니다. 특히 Bitwig Studio는 ‘Rent-to-Own’ 방식으로 제공되어, 체험판 종료 후 한 번에 구매하지 않고 월 단위로 소유권을 획득할 수도 있습니다. 또한, 특정 제품이나 서비스를 구매하면 Ableton Live Lite 버전을 무료로 받을 수 있는 방법도 있으니 참고하세요.

2. 사운드와 플러그인

DAW가 작업할 수 있는 가상의 환경을 제공한다면, 사운드와 플러그인은 실제로 오디오를 제작하는 데 필요한 요소들입니다. 사운드는 다양한 형태로 존재할 수 있습니다. 예를 들어, 기존의 루프를 활용하여 아이디어를 얻을 수도 있고, 하나의 음을 담은 원샷(one-shot) 샘플을 소프트웨어 악기 플러그인에 로드하여 멜로디나 코드 진행을 직접 만들 수도 있습니다.

킥 원샷의 예시 – 단 한 번의 타격이 포함된 오디오 샘플 유형입니다.

이러한 샘플을 배열하여 음악적 패턴을 만드는 것이 음악을 제작하는 한 가지 방법입니다.

 

플러그인은 DAW 내에서 다양한 창작적 요구를 충족시키기 위해 사용하는 작은 소프트웨어입니다. 예를 들어, 피아노나 베이스 같은 가상 악기를 제공하는 플러그인은 실제 악기를 소유하거나 연주할 줄 몰라도 곡을 구성할 수 있도록 도와줍니다. 또한, 에코나 리버브 같은 효과를 적용하여 사운드에 색채를 더할 수도 있습니다.

 

대부분의 DAW에는 기본적으로 내장된 사운드와 효과들이 포함되어 있으므로, 음악을 배우기 위해 별도로 플러그인이나 샘플을 구입할 필요는 없습니다. 하지만 음악 제작을 계속하다 보면, 다양한 서드파티 플러그인이나 샘플 라이브러리를 발견하게 될 수도 있습니다. 이러한 추가 요소를 구입하면 DAW 내에서 새로운 사운드와 효과를 활용할 수 있어 창작의 가능성을 더욱 확장할 수 있습니다.

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3. 물리적 악기와 하드웨어 (선택 사항)

마지막으로, 노래를 부르거나 실제 악기를 연주할 수 있다면 이를 음악에 활용할 수도 있습니다. 디지털 음악 제작에서는 필수 요소가 아니지만, 보유하고 있다면 큰 강점이 될 수 있습니다.

 

자신의 음악에 보컬을 추가하고 싶다면, 마이크, XLR 케이블(대부분의 마이크에 필요), 그리고 오디오 인터페이스가 필요할 것입니다. 아래 튜토리얼에서는 이러한 장비를 DAW에 연결하는 방법을 설명합니다. 다만, 예산이 부족하거나 당장 시작하고 싶다면, 적절한 설정을 통해 스마트폰이나 노트북의 내장 마이크를 활용하여 괜찮은 녹음을 얻을 수도 있습니다.

 

이러한 장비들은 바이올린, 색소폰, 트럼펫 등 대부분의 어쿠스틱 악기를 연주할 때도 유용합니다. 만약 일렉트릭 기타나 베이스를 연주한다면, TS 케이블을 오디오 인터페이스에 직접 연결한 후 DAW 내의 플러그인을 사용해 신호를 증폭할 수도 있습니다. 또한, 피아노나 키보드를 연주한다면 MIDI 컨트롤러를 고려해 보는 것도 좋습니다. 많은 프로듀서들이 피아노를 주요 악기로 다루지 않더라도 아이디어를 빠르게 기록하는 용도로 MIDI 컨트롤러를 활용합니다.

 

마지막으로, DAW와 함께 사용할 수 있는 하드웨어는 무궁무진합니다. 스테레오 스피커, 이펙트 유닛, 아웃보드 기어 등 다양한 장비가 존재하지만, 초보자가 음악 제작을 시작하는 데 필수적인 것은 아니므로 여기서는 다루지 않았습니다.

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DAW에서 음악을 만드는 기본 과정

DAW를 선택했다면 이제 직접 열어보고 익숙해지는 시간이 필요합니다. 각 DAW마다 차이가 있지만, 대부분 공통적인 작업 방식과 인터페이스를 갖추고 있습니다. 여기에서 몇 가지 주요 요소를 살펴보겠습니다.

1. 트랙 / 어레인지먼트 뷰

Logic Pro X의 트랙 뷰

 

가장 먼저 살펴볼 것은 트랙 또는 어레인지먼트 뷰입니다. 일반적으로 DAW를 실행하면 기본적으로 표시되는 화면으로, 프로젝트 내에서 여러 개의 소프트웨어 악기와 오디오 트랙을 레이어링하며 전체적인 구성과 흐름을 조정하는 공간입니다. 상단에는 숫자가 표시되어 있는데, 이는 음악의 마디(Measure)를 나타냅니다. 재생 버튼을 누르면 플레이헤드가 왼쪽에서 오른쪽으로 이동하며, 그에 맞춰 만든 음악이 시간에 맞게 재생됩니다. 이 과정을 실제로 어떻게 활용하는지 이후에 자세히 살펴보겠습니다.

2. MIDI 편집기 / 피아노 롤

Logic Pro X의 피아노 롤

 

MIDI 편집기는 피아노 롤이라고도 불리며, MIDI 노트를 추가하고 편집할 수 있는 공간입니다. MIDI(음악 기기 디지털 인터페이스)는 디지털 프로토콜의 한 형태로, 정보를 기록하고 소프트웨어 악기(또는 MIDI 컨트롤러를 사용하는 경우, 해당 장치)에 명령을 전달하는 역할을 합니다. DAW에서 MIDI를 활용하면 비트, 코드 진행, 멜로디 등을 쉽게 작곡할 수 있습니다.

 

트랙 / 어레인지먼트 뷰와 달리, DAW를 처음 실행했을 때 기본적으로 표시되지 않을 수도 있습니다.

3. 채널 스트립

Logic Pro X의 채널 스트립

 

마지막으로 채널 스트립을 살펴보겠습니다. 생성한 각 트랙에는 하나의 채널 스트립이 있으며, 이를 통해 에코, 리버브, EQ 등의 오디오 효과를 추가할 수 있습니다. 일반적으로 채널 스트립에는 볼륨 페이더가 함께 연결되어 있어 트랙의 음량을 쉽게 조절할 수 있지만, 트랙 / 어레인지먼트 뷰에서도 조정할 수 있습니다.

 

또한, 모든 채널 스트립이 한곳에 모여 있는 믹서 뷰를 볼 수도 있으며, 각 채널 스트립의 신호가 합쳐지는 마스터 트랙도 포함됩니다. 믹서 뷰는 믹싱과 마스터링 과정에서 유용하게 사용되며, 이에 대한 자세한 내용은 가이드의 후반부에서 다룰 예정입니다.

특정 DAW에 대해 더 배우는 방법

무작정 DAW의 모든 기능을 익히려고 하기보다, 간단한 소개를 읽거나 영상을 시청한 후 궁금한 점이 생길 때마다 찾아보는 것이 더 효과적인 접근 방식일 수 있습니다. 마치 책만 읽고는 자전거를 배울 수 없는 것처럼, 실제로 음악을 만들어 보지 않고는 제대로 배울 수 없습니다.

 

작업 중에 막히는 부분이 생기면, 공식 매뉴얼(많이 활용되지 않지만 매우 유용한 자료)이나 인기 있는 유튜브 영상을 참고하는 것이 좋은 방법입니다. 이번 튜토리얼에서는 모든 DAW의 세부적인 기능을 다루지는 않기 때문에, 이러한 자료가 유용할 수 있습니다.

 

하지만 앞으로 다룰 여섯 가지 음악 제작 과정(비트 만들기, 코드 진행 구성, 멜로디 작곡, 아이디어를 곡으로 발전시키기, 믹싱, 마스터링)은 특정 DAW에 종속되지 않는 방식으로 설명할 것입니다. 즉, 어떤 DAW를 사용하든 자유롭게 적용할 수 있도록 구성되어 있습니다.

 

이제 필요한 도구들을 준비했으니, 본격적으로 음악 제작을 배우기 시작해 봅시다!

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비트 만들기

음악을 구성하는 기본 요소를 이론적으로 살펴보면, 대부분의 작곡 아이디어는 세 가지 근본적인 요소로 나눌 수 있습니다: 리듬, 멜로디, 그리고 하모니.

 

이 세 요소는 서로 독립적인 것이 아닙니다. 예를 들어, 멜로디와 코드 진행도 본질적으로 리듬을 포함하고 있습니다. 하지만 드럼 키트와 같은 악기로 연주되는, 멜로디나 하모니가 강조되지 않은 리드미컬한 요소들도 존재합니다. 이러한 요소들은 곡의 리듬감을 형성하며, 일반적으로 비트라고 부릅니다. (단, 이 용어는 음악 이론에서 말하는 ‘비트’와는 다른 의미로 사용됩니다.)

리듬이란?

간단히 말해, 리듬은 음악에서 음과 쉼표(정지)가 발생하는 타이밍을 결정하는 요소입니다. 리듬은 우리가 음악을 경험하는 데 있어서 본능적인 부분이며, 음악을 직접 만들지 않더라도 좋은 리듬이 형성된 그루브를 즐기고 자연스럽게 몸을 움직이는 것이 가능합니다.

"Billie Jean"의 도입부에서 들리는 단순하지만 타이트한 비트만으로도

자연스럽게 고개를 끄덕이게 되는 것은 누구나 느낄 수 있는 경험입니다.

 

그렇다고 해도, 음악 프로듀서로서 기본적인 리듬 이론을 알고 있으면 큰 도움이 됩니다. 예를 들어, 마디와 4분음표의 개념을 이해하면 DAW에서 리듬을 더 정확하게 배치하고 조정할 수 있습니다.

 

만약 이러한 음악 이론 용어에 익숙하지 않다면, 아래의 심화 가이드를 참고하여 리듬의 기초 개념을 익혀 보세요. 각 개념은 전통적인 악보와 MIDI 두 가지 방식으로 설명되어 있으므로, 자신에게 더 익숙한 방식으로 학습하면 됩니다.

What is Rhythm in Music: Introduction to Beats, Meters, and Tempo - Blog | Splice

DAW에서 비트 만들기

리듬에 대한 기본적인 음악 이론을 익혔다면, 이제 DAW에서 새로운 소프트웨어 악기 트랙을 생성해야 합니다. 원하는 드럼 키트를 선택한 후, MIDI 노트를 활용하여 직접 비트를 구성할 수 있습니다. 음악을 만들 때 반드시 비트부터 시작해야 하는 것은 아닙니다. 하지만 많은 프로듀서들은 비트를 곡의 기반으로 삼아 전체적인 구성을 만들어 나갑니다. 이는 특히 여러 장르에서 곡을 하나로 묶어 주는 중요한 요소가 되기 때문입니다.

 

아래 예시에서는 MIDI 노트를 사용하여 킥, 스네어, 하이햇을 조합해 기본적인 비트를 구성한 모습입니다.

 

우리의 그루브가 여러분의 것보다 조금 빠르게 들릴 수도 있습니다.

이는 프로젝트의 BPM(분당 비트 수) 값을 조정하여 트랙의 템포(음악의 속도)를 변경했기 때문입니다.

 

이 과정을 더욱 자세히 단계별로 설명한 가이드는 "비트 만드는 방법" 관련 글에서 확인할 수 있습니다.

[팁 & 튜토리얼] 비트를 만드는 방법: 비트 프로덕션에 대한 심층 가이드

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코드 진행 만들기

비트를 완성했다면, 이제 코드 진행을 구성하여 곡의 화성을 만들어볼 차례입니다. 코드(chord)란 여러 개의 음이 조합되어 하나의 화성을 이루는 집합이며, 코드 진행(chord progression)은 이러한 코드들이 연속적으로 변하면서 음악의 화성적 기반을 형성하는 요소입니다.

화성이란?

화성(harmony)이란 여러 개의 음이 동시에 울리는 것을 의미합니다. 우리가 듣는 거의 모든 음악에서 화성을 접할 수 있으며, 주로 피아노, 기타, 신스 패드와 같은 악기들이 이를 연주합니다. 예를 들어, Adele의 Hello에서 피아노로 연주되는 코드 진행은 곡의 화성적 구조를 형성하며, 그녀의 감성적인 보컬을 받쳐주는 역할을 합니다.

i – III – VII – VI 코드 진행 – 단순하지만 강력한 진행.

 

리듬과 마찬가지로, 인기 있는 코드가 어떻게 구성되는지 이해하는 데 도움이 되는 기본적인 음악 이론이 있습니다. 메이저와 마이너 삼화음(triad)에 익숙하지 않다면, 아래에서 제공하는 화성 기초 가이드를 참고할 수 있습니다. 또한, 이 튜토리얼의 흐름에서 조금 앞서 나가는 내용이지만, 멜로디 기초 가이드를 통해 피치(pitch), 스케일(scale), 키(key)와 같은 용어에 대한 정의도 확인할 수 있습니다. 이러한 개념이 나왔을 때 혼란스럽다면 참고하면 도움이 될 것입니다.

What is Harmony in Music? A Guide to Chord Progressions - Blog | Splice

DAW에서 코드 진행 만들기

이제, 만든 비트에 맞춰 시간 흐름에 따라 변화하는 코드 진행을 구성할 차례입니다. 코드 진행은 원하는 개수의 코드로 만들 수 있지만, 네 개의 코드를 반복(loop)하는 방식이 초보자에게는 좋은 출발점이 될 수 있습니다. 아래 영상에서는 신스 패드 소프트웨어 악기를 추가하고, 이를 활용해 간단하지만 탄탄한 코드 진행을 만들어 비트와 조화롭게 구성하는 과정을 보여줍니다.

 

i – VI – III – VII 코드 진행을 선택했습니다. 이는 Hello에서 사용된 코드들과 동일하지만, 순서와 키가 다릅니다.

 

어디서 시작해야 할지 모르겠다면, 먼저 메이저 스케일이나 마이너 스케일을 선택하여 그 안에서 코드를 구성하는 것이 좋습니다. 초보자에게는 C 메이저와 A 마이너가 좋은 선택인데, 이 두 스케일은 샤프(#)나 플랫(♭)이 없으며, 피아노의 흰 건반만을 사용하기 때문입니다. 물론 예외는 많지만, 일반적으로 메이저 스케일을 중심으로 하면 더 "밝고" "행복한" 느낌을 줄 수 있으며, 마이너 스케일을 중심으로 하면 "어둡고" "슬픈" 분위기를 연출할 수 있습니다.

 

좋아하는 곡의 코드 진행을 찾아보는 것도 좋은 영감을 얻는 방법이 될 수 있습니다. 또한, 특정 장르에서 자주 사용되는 코드 진행을 활용하여 음악을 만드는 방법을 배우고 싶다면 관련 튜토리얼을 참고할 수도 있습니다. 해당 튜토리얼에는 다양한 코드 진행을 담은 무료 MIDI 파일도 포함되어 있어, 이를 출발점으로 삼아 직접 음악을 만들어볼 수 있습니다.

 

더 나아가면, 차용 코드(borrowed chords), 모드(modes) 등 스케일의 범위를 넘어서 다양한 화성 기법을 탐구할 수도 있습니다. 하지만 지금은 그보다 기본적인 코드 조합과 패턴을 익히는 것이 중요합니다.

코드 진행을 활용한 베이스라인 만들기

코드 진행이 완성되었다면, 이를 바탕으로 간단한 베이스라인을 만들 수 있습니다. 방법은 간단합니다. 코드 진행을 복사하여 베이스 악기가 있는 트랙에 붙여넣은 후, 루트 노트(root note)만 남기고 나머지 노트를 제거한 다음, 이를 낮은 옥타브로 이동시키면 됩니다. 옥타브를 조정하는 방법은 동일한 음 이름이 나올 때까지 노트를 위아래로 이동시키는 것입니다. 이렇게 하면 트랙의 저음을 보강할 수 있으며, 곡 전체에 더욱 탄탄한 바디감을 더할 수 있습니다. 아래 예시에서 이를 직접 확인할 수 있습니다.

 

이 사운드를 제대로 듣기 위해서는 헤드폰을 사용하는 것이 좋습니다!

 

음악 제작이 익숙해질수록, 베이스라인을 더욱 다양하게 실험해 보게 될 것입니다. 루트 노트에서 벗어나 더 많은 음을 추가하거나, 리듬을 더욱 그루비하게 조정하는 등 변화를 줄 수 있습니다. 아래에서는 너무 과하지 않게 약간의 변화를 주어 베이스라인을 더욱 다채롭게 만들었습니다. 킥 드럼과 리듬을 맞추고, 가끔 한 옥타브 위로 이동하는 등 작은 변화를 추가하여 더욱 생동감 있는 느낌을 연출했습니다.

보너스: 코드 전위(Inversions)

베이스라인을 완성한 후, 코드 진행으로 다시 돌아가서 코드 전위에 대해 간단히 살펴볼 수 있습니다. 코드 전위란, 코드의 가장 낮은 음을 루트 노트가 아닌 다른 음으로 변경하여 구성하는 방식입니다. 필수적인 과정은 아니지만, 아래 예시에서는 코드 진행의 일부 음을 옥타브 위나 아래로 이동시켜 피아노 롤에서 코드들이 보다 밀집된 형태로 배치되도록 조정했습니다. 이를 통해 코드 간 전환이 더욱 부드럽게 들리면서도, 각 코드의 기본적인 정체성은 유지할 수 있습니다.

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멜로디 작성하기

마지막 단계로, 지금까지 만든 음악적 기반 위에 멜로디를 추가해 보겠습니다.

멜로디란?

멜로디를 정확히 정의하기는 쉽지 않지만, 한마디로 여러 개의 음이 연속적으로 배열되어 하나의 음악적 아이디어를 형성하는 것이라고 할 수 있습니다.

 

하지만 좋은 멜로디는 단순한 정의를 넘어, 듣는 사람을 감동시키거나 곡이 끝난 후에도 머릿속에서 계속 재생되는 특징이 있습니다. 예를 들어, My Heart Will Go On의 틴 휘슬 인트로는 인터넷에서 밈(meme)으로 활용되기도 하지만, 그 솔직하고 웅장한 멜로디는 부정할 수 없는 강한 인상을 남깁니다.

멜로디가 반복될 때 점점 높아지는 방식은 정말 만족스럽습니다.

 

다행히도, 멜로디와 관련된 많은 용어가 화성과 겹칩니다. 그렇지만, 멜로디에 관한 이론적 기초를 익히고 싶다면, 아래에 멜로디 전용 가이드를 다시 제공하니 참고해 주세요.

What is melody in music: A guide to pitch, scales, and keys - Blog | Splice

DAW에서 멜로디 만들기

멜로디를 만들 때 특별히 정해진 규칙은 없지만, 비트와 코드 진행을 구성할 때보다는 좀 더 구조적인 접근이 필요합니다.

 

우선, 코드 진행이 음악적 키를 설정했을 것이므로, 멜로디도 그 키를 따르는 것이 좋습니다. 코드에 포함된 음에서 멜로디가 멈추도록 만들면, 음악적으로 더 안정적이고 화음이 맞는 소리를 낼 가능성이 큽니다. 반대로, 코드 내에 없는 음을 사용하여 약간의 긴장감을 만들 수 있습니다. 그 후, 이를 다시 안정적인 음으로 해결하거나 (혹은 해결하지 않고) 원하는 대로 조정할 수 있습니다.

 

멜로디를 만들 때 중요한 점 중 하나는 멜로디의 윤곽(contour)입니다. 즉, 멜로디의 큰 "형태"를 생각하는 것이죠. My Heart Will Go On의 틴 휘슬 멜로디처럼, 일부 아이디어를 반복하면서 감정적인 효과를 위해 점점 높은 음으로 전개되는 부분을 고려해 보세요.

 

자신만의 음악을 만들 때는 이렇게 질문해 보세요: 멜로디를 통해 내가 전하고 싶은 고유한 이야기를 어떻게 표현할 수 있을까?

 

기억에 남는 멜로디를 만들고 싶다면, 반복과 변화를 균형 있게 조화시키는 것이 중요할 수 있습니다. 멜로디 안에서 작은 구절을 반복하면 청중이 따라가기 쉽고, 변화를 주면 흥미롭고 강렬한 효과를 낼 수 있습니다.

 

만약 아이디어가 막힐 경우, 코드 진행 위에서 허밍을 하며 마음에 드는 멜로디를 찾고, 그 후 DAW에서 이를 재현하는 방법이 효과적일 수 있습니다. 또한, DAW의 화면 키보드를 사용해 소프트웨어 악기에서 아이디어를 떠올려 멜로디로 발전시킬 수도 있습니다.

 

아래에서는 바로 그 방법을 사용해, 반복되는 비트와 코드 위에서 실험하며 마음에 드는 아이디어를 찾은 후, 이를 녹음하고 피아노 롤에서 편집하여 깨끗하게 들리도록 수정한 과정을 보여줍니다.

 

녹음을 덜 편집된 상태로 두면 더 느슨하고 연주된 느낌을 줄 수 있습니다. 반면, 녹음을 생략하고 MIDI로 직접 멜로디를 입력할 수도 있습니다. 이는 비트, 코드 진행, 베이스라인을 구성할 때와 동일한 방식입니다.

레이어 추가 및 추가 파트

이제 우리의 음악이 정말 트랙처럼 들리기 시작했습니다! 하지만 물론, 더 많은 요소를 추가할 여지는 항상 있습니다. 결국, 여러분이 좋아하는 많은 곡들이 아마도 세 개나 네 개 이상의 다른 사운드를 포함하고 있을 것입니다. 다만, 이런 사운드들이 실제로는 오늘 우리가 다룬 세 가지 기둥(비트, 코드, 멜로디)을 지원하는 경우가 많다는 점을 알게 될 것입니다. 예를 들어, 사운드 효과가 비트에 추가적인 강조를 더할 수 있고, 혹은 서포트 라인이 멜로디를 하모니로 더하거나 복제할 수도 있습니다.

 

더 많은 실험을 해보고 싶다면, 프로젝트에 추가 트랙을 더해 보세요. 예를 들어, 멜로디를 여러 악기로 연주해 보거나, 비트와 얽히는 전혀 새로운 파트를 추가할 수도 있습니다. 음악을 만드는 법을 배우고 귀를 발전시키는 가장 좋은 방법은 직접 시도해보는 것입니다. 따라서 DAW와 함께 즐기며 시간을 많이 보내기를 권장합니다.

 

아래에서는 멜로디에 또 다른 신스를 추가하여 좀 더 풍성한 느낌을 주고, 리듬 신스를 넣어 코드 진행에 자동으로 움직임을 추가한 예시를 보여줍니다.

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아이디어를 완성된 트랙으로 발전시키기

이 시점에서, 여러분의 음악은 아마 몇 초 정도의 길이일 것입니다. 핵심 아이디어가 완성되면, 이제 이를 전체 곡으로 확장하여 더 큰 흐름을 만들어야 합니다. 추가적인 파트를 더해 음악에 완성도를 높여 보세요.

곡 구조란?

자신만의 음악을 만들 때, 곡 구조는 개별적인 아이디어를 전체 곡으로 확장하는 데 가장 중요한 도구가 될 것입니다. 가사, 후렴, 브리지와 같은 관련된 섹션을 작곡하고 이를 연결함으로써, 여러분의 음악에 이야기를 담아낼 수 있습니다.

 

아래에서는 곡 구조와 알아두면 좋은 인기 있는 패턴에 대해 깊이 살펴보겠습니다.

[팁 & 튜토리얼] 노래의 구성: 예시로 알아보는 노래 만들기

DAW에서 곡 구조 구현하기

DAW에서 작업한 내용을 돌아보면, 코드 진행과 멜로디를 변경하거나, 일부 파트를 추가하거나 제거하여 새로운 섹션을 만들 수 있습니다. 종종, 새로운 섹션을 만들기 위해 생각보다 많이 변경할 필요가 없다는 점을 알게 될 것입니다.

 

보컬이 있는 곡을 작성할 때는, 다른 섹션에서 새로운 가사와 반복되는 가사가 음악을 확장하는 데 중요한 역할을 합니다. 대중 음악에서는 각 구절이 서사에 집중된 다른 가사를 가지고, 후렴은 더 일관되며 넓은 주제와 감정을 강조하는 경우가 많습니다. 그렇지만, 물론—우리와 함께 말해보세요—여기에는 엄격한 규칙이 없습니다.

 

아래에서는 아이디어를 전체 구성으로 발전시키는 과정에서 인트로를 추가했습니다. 인트로는 본 섹션에서 몇 가지 파트를 분리하여 서서히 본곡으로 연결됩니다. 또한, 대조적인 브리지도 추가했습니다. 이 섹션을 만드는 과정은 본 아이디어를 만든 방식과 동일했지만, 코드 진행과 리듬적 강조를 바꾸어 멋진 대조를 만들어냈습니다.

 

그 후, 본 아이디어로 돌아가 결합감을 주고, 끝으로 향하면서 한 번 더 반복하여 힘을 더했습니다. 마지막으로, 끝부분에서 일부 파트를 제거하여 자연스럽게 마무리할 수 있도록 했습니다.

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음악 믹싱하기

자신만의 음악을 구성하면서 각 파트가 어떻게 어우러지는지에 대해 고민했을 수도 있습니다. 예를 들어, 한 파트가 너무 크고 강하게 들렸거나, 사운드의 음색(timbre)을 변화시키고 싶었을 수도 있습니다.

 

아직 다루지 않았지만, 음악을 만드는 데 있어 중요한 과정 중 하나가 바로 믹싱입니다. 작곡은 멋진 리듬을 배열하고, 감동적인 코드 진행을 만들며, 기억에 남을 멜로디를 쓰는 데 집중한다면, 믹싱은 전체적인 사운드가 유기적이고 명확하며 흥미롭게 들리도록 만드는 데 중점을 둡니다.

 

이 과정에서는 트랙의 볼륨과 팬(pan) 페이더를 조절하고, 오디오 이펙트 플러그인도 활용해야 합니다. 아래 믹싱 가이드에서는 이들 요소의 일반적인 활용 방법을 설명하고, 믹싱을 진행할 때 고려해야 할 점들에 대해 다룹니다.

[믹싱] 음악 믹싱 방법: 오디오 믹싱 입문

아래에서는 데모 트랙을 위해 진행한 여러 믹싱 결정 중 몇 가지를 보여드립니다:

 

멜로디의 볼륨을 균형 맞추고, 두 개의 리드 신스를 좌우로 약간 팬을 조정하여 공간과 넓이를 만들었습니다. 또한, 베이스에 EQ를 추가하여 거의 들리지 않는 저음 진동을 줄였고, 하이햇에도 팬을 적용했습니다.

음악을 만들 때 믹싱은 언제 해야 할까요?

이번 튜토리얼에서는 믹싱을 별도의 단계로 구분했습니다. 이는 많은 경험 많은 음악가들이 효과적으로 활용하는 방법이기도 합니다. 그들은 주로 작곡에 집중하는 단계와, 일반적인 아이디어가 완성된 후 믹싱에 집중하는 후반 단계로 나누어 작업할 수 있습니다.

 

하지만, 음악을 더 많이 만들다 보면 작곡하면서 동시에 믹싱도 진행하게 될 수 있습니다. 그럼에도 전혀 문제되지 않습니다! 실제로, 특정 오디오 이펙트나 밸런싱 기법이 작곡 아이디어에 영향을 주기도 하고, 그 반대의 경우도 많습니다.

 

많은 전문 음악가들은 자신이 만든 트랙을 다른 사람, 예를 들어 전문 믹싱 엔지니어에게 맡기기도 합니다. 그 이유는 새로운 귀가 여러분의 귀(이미 수백 번 듣고 객관성이 떨어졌을 가능성이 있는)에 비해 더 신선하고 날카로운 선택을 할 수 있기 때문입니다. 그렇다고 해서 자신이 만든 음악을 직접 믹싱하는 것에 잘못된 점은 전혀 없습니다.

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음악 마스터링하기

이제 거의 끝입니다. 마지막 단계는 마스터링입니다. 마스터링은 음악 제작의 마지막 단계로, 전체적인 사운드를 다듬고 트랙이 다양한 재생 환경에서 잘 들리도록 조정하며, 더 큰 작업(EP나 앨범에 포함될 곡이라면)과 일관성을 유지하는 작업입니다.

 

음악을 처음 시작하는 단계라면, 음악 배급에 대한 우려는 크지 않을 수 있습니다. 그럼에도 마스터링이 존재한다는 것을 알고 있는 것은 유익합니다.

믹싱과 마스터링의 차이점

믹싱 단계에서는 개별 사운드를 조정하고 있지만, 마스터링에서는 전체적인 레벨에서 미세한 조정을 합니다. 여기서 중요한 점은 "미세한" 조정입니다. 만약 개별 사운드를 크게 재조정하거나 새로운 파트를 추가하고 있다면, 아마도 여전히 믹싱 또는 제작 중일 것입니다.

 

믹싱과 마찬가지로, 마스터링에도 이를 전문으로 하는 마스터링 엔지니어들이 있으며, 그들은 그들의 커리어를 이 예술에 헌신합니다. 비슷한 이유로, 결국에는 다른 사람에게 음악을 마스터링하는 것을 고려하는 것도 좋은 방법일 수 있습니다.

 

하지만 직접 마스터링을 해보고 싶다면, 음악에서 최소한 며칠은 떨어져서 신선한 귀로 접근하는 것이 좋습니다. 그런 후, 마스터링 101 가이드의 여섯 단계를 따라가며 사용할 도구와 목표로 삼을 결과를 배울 수 있습니다.

 

마지막으로, 트랙을 마스터링한 후에는 꼭 트랙을 내보내서 이동 중에도 듣고, 세상과 공유할 수 있도록 하세요!

 

우리의 내보낸 데모 트랙—긴 여정이었네요!

 

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결론: 음악 만드는 법

여기까지 오셨다면, 축하합니다! 이제 DAW를 찾는 것부터 믹싱과 마스터링까지 음악을 만드는 전체 과정을 배운 것입니다. 오늘 다룬 정보가 매우 많기 때문에, 모든 것을 완벽하게 흡수하지 못했다 하더라도 걱정하지 마세요. 음악을 만드는 것은 평생의 여정이므로, 이 과정의 첫 번째 단계를 밟는 것만으로도 큰 성과입니다.

 

DAW를 탐색하면서 새로운 질문이 생겼다면, 또는 음악을 발전시키며 피드백을 받을 수 있는 곳을 찾고 있다면, 영감을 주고받으며 지식을 나누는 음악 창작자들의 커뮤니티인 Discord에 참여해 보세요.

 

여러분이 만들어낼 음악을 들을 날을 기다리고 있습니다!